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Sigfredo Chacón: "Ser artista es una condición genética"

El diseño gráfico y el arte dialogan en la original obra de este creador que acaba de ingresar a la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York

  • MARITZA JIMÉNEZ

26/05/2019 01:00 am

El arte y el diseño tienen sus diferencias bien marcadas, que alguien resolvió con una simple máxima: “Hay arte en el diseño, pero no diseño en el arte”. 

Sin embargo, Sigfredo Chacón es un artista que rompe con todos los estereotipos, al reconocer la influencia de su formación y experiencia como diseñador, en esa obra artística cuya calidad acaba de ser reconocida al ser incorporada a la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York, una de las instituciones más respetables en el mundo artístico. “El diseño gráfico, afirma, te obliga a procesar y resumir mucha información con un elemento o forma, también con una simple palabra”. 

"Gray Gray Grid 1993-2006", la obra escogida por Inés Katzenstein, directora del Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros para el Estudio del Arte de América Latina, forma parte de las rejillas que Chacón exhibió en 1993 en la galería Namia Mondolfi. Se trata, explica, de “una rejilla de madera perfectamente geométrica, de 170 x140x 5 cm, cubierta con una capa pictórica muy espesa de pintura acrílica negra con matices grises y rojo fosforescente. “Se interesó en ella porque dice que vio como una bisagra entre el minimalismo y el expresionismo abstracto, una síntesis entre ambos movimientos”. 



–¿Qué significó para Ud. esta adquisición? 
 -Fue un importante reconocimiento no solo para mí, sino para todos los artistas latinoamericanos. Sobre todo es un reconocimiento a todos mis maestros, muchos de ellos provenientes de países devastados por las guerras, que encontraron en Venezuela un lugar donde desarrollar toda su experiencia y talentos. 

Residenciado en Miami desde hace dos años, desde donde ha realizado una intensa agenda expositiva, actualmente expone en Mana Contemporary Art Miami, invitado por Ysabel Pinyol, directora de curaduría de esa fundación, la serie "Horror Vacui Chicago 1992-2019". Una instalación de siete marcos de 254 x 254 x 19 cm, que hoy día pertenecen a la colección de Mana en New Jersey, explica este artista cuyo trabajo suele desenvolverse en series. 

En 2018, en la galería MIBI/ Henrique Faría Fine Art NY, en Florida, presentó "Situaciones: Early Works 1972" y "Blackpaintings 2017-2018", en Imago Art in Action. Y para septiembre de este año planifica su participación en la ExpoChicago 2019. 

Geometría y organización 
Desde 1971, cuando expone por primera vez con El autobús, en el Ateneo de Caracas, Sigfredo Chacón se revela como integrante de una generación que busca otras salidas al arte, más allá de las modas y polémicas del momento entre la figuración o la abstracción. “Pertenezco a una generación de artistas a contracorriente, explica, que usamos la geometria de manera distinta. Yo organizo la obra matemáticamente, con una estructura múltiple que no es rígida, sino que se adapta a las necesidades de cada serie. Creo que la organización es una herramienta indispensable si tú quieres obtener un objetivo". 

Nacido en Caracas en 1950, su padre era un pintor aficionado, cuenta, que solía dedicarse a pintar los fines de semana, cuando él lo acompañaba. “Yo no decidí estudiar arte”, declara. “Para mí era natural oír música, ver libros, ver pintar a mi papá, y como me gustaba, me sentaba a su lado y pintaba también”. 

Así, a los 16 años, ingresa a la Escuela Cristóbal Rojas, de la que se retira pronto, para ingresar al Instituto de Diseño. 

 –¿Por qué? 
–Ya entonces me cuestionaba si el arte era solo tener una habilidad. Yo dibujo bastante bien sin ningún esfuerzo, pero me decía que la creación tenía que ser algo más complejo que poder dibujar una modelo correctamente. Así que nunca me interesé mucho en dibujar académicamente, aunque fuera algo apreciado, al menos cómo alumno de bellas artes. 

“El artista ve otra realidad” 
“Yo creo que eres artista o no. Es una característica genética. El mundo para mí era otro, me divertía jugando con los colores. Tú naces así. Los artistas ven el mundo diferente, la percepción es otra. Es muy difícil de explicar, es como el daltonismo, inexplicable. Ves otra realidad”. 



Es que el arte, a su juicio, tiene que ver con inventar, hacer algo nuevo. "Por eso me retiré de la escuela y descubrí el Instituto de Diseño Neumann en donde teníamos problemas reales que resolver. Recuerdo un ejercicio con el profesor Argenis Madriz: crear un juguete para enseñar a un niño de 3 o 4 años a amarrar los lazos de sus zapatos. Qué diferencia, ¿verdad? 

Agrega que ese instituto fue fundamental, no solo para él, sino sino para toda persona que pasó por sus aulas. “En ellas dieron clases talentosos maestros como Gego, Gerd Leufert, Nedo, Guillermo Meneses, Harry Abend, Cornelis Zitman, John Lange, Ludovico Silva, Luisa Palacios, Luisa Richter, Humberto Jaimes Sánchez, Manuel Quintana Castillo, Marcel Floris, Roberto Guevara, entre tantos otros “que fueron ejemplo de profesionalismo y excelentes tutores”. 

Continúa su formación en Londres, en los años 70, en el Chelsea School of Art y el London College of Printing. A su regreso, se dedicará al diseño por más de 25 años. “Gerd Leufert y Alvaro Sotillo me cedieron su responsabilidad en el Museo de Bellas Artes como curador gráfico. Trabajé allí por once años, di clases en el Instituto Neumann hasta 1987 y con Nedo en la Escuela Cristóbal Rojas, ademas de ejercer como diseñador gráfico free lance, junto con Constanza González durante más de 25 años. 

“Esta experiencia fue importantísima para mi actividad plástica, ya que me da un sin fin de recursos y posibilidades para desarrollar este medio de expresión. Para mí el contenido de una obra es tan importante como la manera de hacerla visible. Son dos cosas inseparables”, señala. Sin embargo, advierte: 

“Una obra sin contenido no es arte. Quizás puede ser un ejercicio estético, pero las obras que yo siempre he admirado son una mezcla de idea y realización, la visualización de una idea. Y así se llama la muestra de Mana Chicago: "Seeing Ideas", la bautizó la curadora Ysabel Pinyol. 

–¿Por qué se instala en Miami? 
–Primero, porque mi familia está residenciada aquí, pero luego me movió la situación cultural venezolana, que en los últimos 20 años ha estado gravemente afectada por las políticas gubernamentales debido a la indiferencia e incapacidad para generar una gestión cultural productiva. La cultura es un reflejo del país, y si no hay país, no hay cultura. Aunque las instituciones y centros de arte que sobreviven hacen lo imposible por mantener una actividad, que cada día es más complicada, todos estamos afectados, los que están dentro y los que estamos fuera del país. 

 

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