"Su trayectoria nos habla de un ser profundamente concentrado, consecuente, entregado a su pasión", dice María Elena Ramos de Jesús Soto (CORTESÍA FUNDACIÓN SOTO)

-¿Qué nos pueden decir sus obras del Jesús Soto, hombre, ser humano?
-Su trayectoria nos habla de un ser profundamente concentrado, consecuente, entregado a su pasión, una pasión que involucraba la participación de los otros seres humanos, que estarían frente o dentro de su obra. Interesado en la música dodecafónica y serial, culta y elitesca, fue sin embargo en su vida corriente un amante de la música popular, venezolana, latinoamericana, que interpretaba para sus amigos o visitantes de un museo. Con esa música, además, se ganaba la vida en París durante los primeros años de su estadía.

“Ya tocando el tema de la vibración, vale recordar que Soto guardaba como un tesoro sus memorias de infancia cuando se trasladaba en burrito entre los pueblos de Guayana, llevando encomiendas de su familia. Recordaba con gran placer aquella vibración del aire que rozaba directa y levemente su rostro por aquellos caminos”.

-¿Qué tan importante fueron para el artista la luz, el movimiento y el color?
-Es necesario tener en cuenta que Soto fue un artista investigador, además de ser un penetrante sensorialista. Y elementos como la luz y el movimiento fueron nucleares en su trayectoria. En el caso de la luz, Soto reconoce su admiración y su deuda con los impresionistas. Pero no se trataba en ellos, ni en Soto, de una luz que enfatizara los volúmenes de los cuerpos humanos o los objetos a la manera de la escultura de bulto o de la pintura figurativa que definió y narró por siglos a los personajes y sus relaciones, sino que se trataba más bien de una luz que penetraba las formas, el paisaje, los objetos, que llegaba a generar obras abiertas, como lo son por ejemplo el Penetrable o el Cubo de nylon.

“El espacio mismo fue en Soto un elemento esencial: el gran sustrato para la existencia de sus obras. Y, más aún, tanto la construcción como la destrucción del espacio plástico fueron, por una parte, ejes de estudio de este investigador incansable, y por otra, fueron realizaciones-en-obra de un artista que supo expresar una y otra vez el esplendor de lo sensible”, comenta Ramos.

-¿Podría decirse que Soto no fue un cinético tradicional o clásico?
-Prefiero ver el aporte de Soto no como un “ismo” -el de ese Cinetismo constituido (y loado, o denigrado)-. Prefiero ver el movimiento en él más bien como una de las consecuencias de otras motivaciones, que considero primordiales en él. Una de ellas, más inicial, es el demorarse ante lo visible. La otra, más elaborada a lo largo de su trayectoria, es su insistencia en extender el espacio al Espacio-Tiempo. Iremos viendo entonces que crear el movimiento real fue consecuencia derivada connaturalmente de aquellas dos obsesiones fundamentales, estrechamente ligadas entre sí.

Cuenta María Elena Ramos que al referirse a sus inicios, Soto le decía: “A mí me molestaba que la gente viera un cuadro, lo captara de una sola vez…y se fuera. Como artista plástico eso me dejaba la sensación de lo incompleto. No era como en la música. Lo que fascina en la música, lo que obliga en su desarrollo, es el tiempo. A la pintura le faltaba el tiempo”.

Harmonie transformable, obra realizada por Soto en 1956 (CORTESÍA ASCASO GALLERY)

-Para enfrentar este problema Soto fue haciendo entonces verdaderos aportes a lo largo de su trayectoria. Fue dando motivos para la lentitud perceptiva: hizo a las personas desplazarse, y a la obra vibrar. Produjo apariciones y desapariciones de las líneas en el espacio. Hizo una obra que no pudiera captarse de una sola vez, que pudiera “durar” en la duración misma del ser que, al contemplarla, la completa. El espectador fue llamado a quedarse, a demorarse ante lo visible. Y así fue entonces “movido”: corporal, sensorial y espiritualmente.

“Todos esos distintos factores —la luz, la multiplicación de las líneas, la vibración perceptual, el quedarse acompañando la duración de la obra, el movimiento del ojo y del cuerpo—, se conjugarían para crear esa tan personal participación de Soto en el cinetismo”, sentencia Ramos y concluye: “El de Soto es un cinetismo de la vibración, un cinetismo de la duración compartida por el espectador y la obra”.

-Queda visto que para Soto era muy importante atraer al espectador a sus obras. ¿Cree usted que hizo algún tipo de concesión para lograrlo?
-Hacer que el espectador se quedara, se demorara frente a la obra, podría entenderse como una gran concesión, pero no una en el sentido peyorativo en que a veces se utiliza esta palabra en relación a los artistas, sino más bien en el sentido de búsqueda de cómo acercar a más gente al goce del arte visual. Inquietud que tenía, como vimos, desde que era un estudiante, cuando se quejaba de que la plástica no demoraba al observador como lo hacía la música. Soto, el investigador, produce entonces movimiento, reuniendo así lo que es del espacio con lo que es del tiempo. Podría pensarse acaso que su gran concesión al otro, a los otros, fue el haber demorado al vidente frente a lo visible, desarrollando así también una maestría en ese complejo asunto de la espacio-temporalidad.
@juanchi62